En esta era de inteligencia artificial omnipresente, ¿es la creatividad humana una pérdida de tiempo? Para explorarlo, realizamos un experimento que nos gustaría que evaluaras con tu ayuda. A continuación, presentamos dos canciones: una compuesta por músicos profesionales y la otra por IA.
Escúchalos y elige el que más te guste.
“Entiérrenme”
“Arcilla de hierba dulce”
¿Cuál prefieres?
“Entiérrenme”“Arcilla de hierba dulce”
Ahora, infórmate sobre cómo se crearon. ¿Cambia eso tu opinión?
Soy Matt Richtel, reportero del New York Times, compositor ocasional y el cabecilla de este experimento.
La idea era sencilla: cuatro músicos de primer nivel con una larga trayectoria y yo pasaríamos un fin de semana en un estudio de grabación para componer y grabar varias canciones prácticamente desde cero. Queríamos comprobar si podíamos crear música original mejor que la IA. ¿Valdría la pena el tiempo, las molestias y las ocasionales disputas creativas?
Las principales preguntas que esperábamos responder:
¿Cuáles son las diferencias fundamentales entre el proceso creativo humano y el de una máquina?
¿Podríamos crear algo mejor que la IA, o incluso algo que se distinga de ella?
En retrospectiva, ¿deberíamos haber introducido simplemente la letra en la máquina?
Este fue nuestro duelo a muerte: formas de vida de carbono contra chips de silicio, con ustedes, los lectores y el público, como jueces supremos.
Día 1
Sábado, 11:30 a. m.
Nos reunimos en el estudio casero profesional de Jeremy Lawton, teclista y guitarrista de steel guitar de Big Head Todd & The Monsters. Es todo un profesional: ha preparado aperitivos.
Nuestro primer paso es elegir qué canciones componer. Lo hacemos mediante un proceso humillante. Pongo grabaciones caseras pésimas de media docena de canciones que he escrito, mientras los músicos leen la letra. Hay algo que la IA no hace: ponerse roja. Yo sí. Y además, estoy sudando.
Los músicos, con cortesía, eligen dos canciones. Una, «American Muse», trata sobre la creatividad. La otra, «Bury Me», trata sobre el deseo de morir antes de convertirse en una carga.
«Es oscuro. Me gusta», dice Jake Schroeder, nuestro vocalista y líder de larga trayectoria de Opie Gone Bad , un apreciado grupo de rock de Colorado que ha encabezado el cartel del Anfiteatro Red Rocks nueve veces. También es un amigo del instituto con quien he compuesto música anteriormente, y explica cómo se vio envuelto en este experimento.
Sábado, 12:30 p. m.
Matt Wrobel, un guitarrista y músico de estudio versátil y creativo (y compañero mío en la composición desde hace mucho tiempo), que nos visita desde San Francisco, rasguea repetidamente una progresión de acordes que constituye la esencia de «American Muse». Jake tararea, canta y busca momentos para suavizar o intensificar la melodía.
Todos estamos escuchando, absorbiendo, asimilando información. Estamos creando una mente colectiva. Lleva tiempo. Pero también estamos esperando a que Jeremy conecte todos los instrumentos, con los cables entrecruzados por el suelo como si fueran fideos. Hacer música con humanos puede ser monótono.
Experimentando con ideas, Matt improvisa con la guitarra y Jeremy con el bajo cuando noto que hay química entre ellos. Respeto. Es como ver a dos jugadores profesionales de béisbol jugando a la pelota, aumentando la velocidad porque el otro aguanta bien.
Durante un descanso, el baterista, Tarell Martin, me comenta que este experimento le interesa porque en la mayoría de las sesiones de estudio se les dice a los músicos con precisión qué hacer y qué tocar.
“Es mucho más fácil”, dice sobre ese proceso, “pero puede ser irritante”. Le gusta la idea de poder contribuir. “Esa es la parte que realmente me encanta. Cuando toco algo y alguien dice: ‘¡Eso es! ¡Eso es!’”
Sábado, 15:00
Tocamos y cantamos mientras las ideas se acumulan, algunas rechazadas, muchas adoptadas. Jake sugiere entrar más rápido en el estribillo. Matt cree que el puente debería ir a medio tiempo. Jeremy señala que la canción necesita momentos especiales que él llama «trucos, no acrobacias», lo que significa que necesitamos una puntuación musical memorable.
Entonces llega un momento de tensión. Jake sugiere un cambio de tonalidad: una modulación al final de la canción. Veo que Jeremy y Matt no están de acuerdo, y yo tampoco. Pero Jake se ha atrevido a expresar su opinión. «Me gusta cómo está ahora», dice Jeremy diplomáticamente. Matt comenta que cree que vale la pena tocar la canción una vez tal como la hemos compuesto, luego escuchar una grabación preliminar y partir de ahí.
—Olvídalo —dice Jake, imperturbable—. Hacemos nuestro primer boceto.
Sábado, 16:20
Todo cambia cuando Jeremy saca un órgano Hammond XK-3. Empieza a tocar un riff de rock sobre nuestra base instrumental. El sonido explota. Con esta incorporación, la canción alcanza un nivel exponencial.
En mis notas escribo: ESTE ES EL MOMENTO.
“No sabes lo que no puedes oír”, dice Jeremy, restándole importancia a esta idea inspirada y a su talento musical.
Durante las dos horas siguientes, pulimos los detalles y percibo dos fuerzas opuestas: nos hemos unido en torno a un sonido, mientras que cada músico muestra signos de estar absorto en su propia experiencia. Matt toca su solo de guitarra con los ojos entrecerrados, moviendo la cabeza al ritmo de la música, con la rodilla marcando el compás. Jake, al grabar su voz, canta como en trance. Terrell, también con los ojos cerrados, ha empezado a añadir sus propios adornos.
Hacemos una pausa por hoy, cansados y con muchas ganas de escuchar la mezcla de Jeremy.
Día 2
Domingo, 12:59 p. m.
Empezamos tarde, con una salvedad: Jake ha estado pensando en cómo estructurar la canción «Bury Me». Nos lo cuenta con entusiasmo cuando llegamos a casa de Jeremy.
Es un momento que indica que nos hemos conocido lo suficientemente bien como para ser más vulnerables e involucrarnos en el proceso grupal. Estos momentos son puntos de partida para una banda incipiente. Decidimos llamarnos Last Seen Leaving. (Nota al margen: Terrell, nuestro baterista del primer día, tuvo que ir al aeropuerto para Nashville, así que terminamos contando con otro baterista creativo, Brian McRae ; ¡los bateristas humanos no son intercambiables!).
Durante el resto de ese día, del que no me extenderé, creamos «Bury Me» gracias a las numerosas aportaciones espontáneas de todos y a la poca fricción que se generó.
Hubo un momento en que soporté la peor parte de la experiencia creativa humana: Jake sugirió que necesitábamos un verso más —para capturar el deseo de un personaje de ser liberado tras la muerte— y me mandó con lápiz y papel para escribirlo. Durante la siguiente media hora, me presenté al grupo con nuevas ideas, soportando reacciones como «no del todo», miradas esquivas o «quizás», hasta que di con algo que gustó. En pocos minutos, repasé las emociones principales: miedo, esperanza, decepción, vulnerabilidad, vergüenza y validación. El verso:
Cinco horas después, terminamos, nos abrazamos y prometimos repetirlo. Al anochecer, dejé a Matt en el aeropuerto para su vuelo de regreso a San Francisco. Me agradeció por haberlo incluido y me contó lo bien que lo había pasado. Llevamos años haciendo música juntos, y me sorprendió y conmovió la intensidad de su emoción.
Llegados a este punto, creo poder responder a la pregunta de si esto es mejor o peor que la IA: ¿A quién le importa? Hemos creado canciones competentes. ¿Son éxitos, merecen ser escuchadas o siquiera se distinguen de las producidas por la máquina? ¿Quién sabe? Pero cuando las escuchemos, recordaremos un fin de semana bien aprovechado, haciendo música con otras personas.
Luego llegó la máquina.
Corte a: Cinco semanas después.
Día 3
Miércoles, 14:18
Para la parte de IA de este experimento, me reúno esta vez no en un estudio de grabación de última generación, sino en la sala de conferencias 04-E5-249 de la sede del New York Times en Manhattan con dos compañeras. Una de ellas es Juliana Castro Varón, nuestra editora sénior de diseño para iniciativas de IA. Ella crea proyectos de IA. En cuanto a su talento musical, afirma no tener ninguno.
“No sé tocar ningún instrumento”, dice.
No hay de qué preocuparse. Nuestro otro compañero de banda es el portátil de Juli, que es como tener todos los instrumentos y voces del mundo. En internet, Juliana busca a Gemini y Suno. Le pide a Suno que escriba una canción con la misma temática que «American Muse». «Hazme una canción sobre la emoción de ser creativo y cómo esa emoción a veces desaparece y no sabes adónde va», escribe. Añade algunas condiciones, como «no seas cursi».
Miércoles, 14:19
¡La canción ha terminado!
Tiene guitarra acústica y la voz inquietante de una mujer que canta: “Hazme una canción sobre la emoción de ser creativo…” y es entonces cuando nos damos cuenta de que Juliana escribió accidentalmente las instrucciones de su canción en el programa donde le pedía la letra. ¡Ha convertido sus instrucciones en una canción! ¡Hemos perdido casi un minuto!
De vuelta al trabajo.
Miércoles, 14:58
Para entonces, ya nos habíamos recompuesto y aclarado nuestras instrucciones. Juli pega la letra que escribí para “American Muse” y pide “folk, blues”.
15 segundos después
La computadora reproduce una melodía interpretada por un cantante de country con una voz envidiable, y unas armonías que requerirían un coro. La canción suena claramente country, algo que Juli no había pedido. Pero si sonaba en la máquina de discos al cerrar el bar, alguien podría pedir escucharla de nuevo. Podría. Dependería de la cantidad de cervezas consumidas.
Modificamos nuestras indicaciones. Es mucho más fácil que los miembros de la banda le digan a un letrista: «Me encanta, pero no lo entiendo del todo». Este proceso es clínico y espontáneo. Finalmente, Juli tuvo que decirle a la IA que dejara de componer canciones country, que parecía ser su género predilecto.
En los siguientes 40 minutos, creamos al menos 30 canciones. Suno tarda apenas unos segundos en generar temas de géneros tan básicos como el pop-rock y tan específicos como la fusión de música clásica experimental con indie pop japonés, trap latino y disco italiano. La mayoría no inspiran, pero algunas sorprenden. El ordenador tiene un repertorio infinito: country, rock y una asombrosa capacidad para imitar el sonido de Olivia Rodrigo. Independientemente del género, las canciones se basan en una fórmula particular: creadas en un instante, de cuatro minutos de duración, pero solo diez segundos para escucharlas y descartarlas como «simplemente correctas».
Pero.
¿Están bien, o algo más o menos? Les pregunto, ya que, después de todo, se trata de un proyecto grupal. Ahora que conocen el contexto, participen nuevamente en nuestro debate creativo. ¿El hecho de conocer el proceso cambia su percepción —cuál es la IA y cuál es la voz humana— y cuál prefieren ahora?
Estimados lectores, por favor, háganoslo saber.
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En esta era de inteligencia artificial omnipresente, ¿es la creatividad humana una pérdida de tiempo? Para explorarlo, realizamos un experimento que nos gustaría que evaluaras con tu ayuda. A continuación, presentamos dos canciones: una compuesta por músicos profesionales y la otra por IA.
Escúchalos y elige el que más te guste.
“Entiérrenme”
“Arcilla de hierba dulce”
¿Cuál prefieres?
“Entiérrenme”“Arcilla de hierba dulce”
Ahora, infórmate sobre cómo se crearon. ¿Cambia eso tu opinión?
Soy Matt Richtel, reportero del New York Times, compositor ocasional y el cabecilla de este experimento.
La idea era sencilla: cuatro músicos de primer nivel con una larga trayectoria y yo pasaríamos un fin de semana en un estudio de grabación para componer y grabar varias canciones prácticamente desde cero. Queríamos comprobar si podíamos crear música original mejor que la IA. ¿Valdría la pena el tiempo, las molestias y las ocasionales disputas creativas?
Las principales preguntas que esperábamos responder:
¿Cuáles son las diferencias fundamentales entre el proceso creativo humano y el de una máquina?
¿Podríamos crear algo mejor que la IA, o incluso algo que se distinga de ella?
En retrospectiva, ¿deberíamos haber introducido simplemente la letra en la máquina?
Este fue nuestro duelo a muerte: formas de vida de carbono contra chips de silicio, con ustedes, los lectores y el público, como jueces supremos.
Día 1
Sábado, 11:30 a. m.
Nos reunimos en el estudio casero profesional de Jeremy Lawton, teclista y guitarrista de steel guitar de Big Head Todd & The Monsters. Es todo un profesional: ha preparado aperitivos.
Nuestro primer paso es elegir qué canciones componer. Lo hacemos mediante un proceso humillante. Pongo grabaciones caseras pésimas de media docena de canciones que he escrito, mientras los músicos leen la letra. Hay algo que la IA no hace: ponerse roja. Yo sí. Y además, estoy sudando.
Los músicos, con cortesía, eligen dos canciones. Una, «American Muse», trata sobre la creatividad. La otra, «Bury Me», trata sobre el deseo de morir antes de convertirse en una carga.
«Es oscuro. Me gusta», dice Jake Schroeder, nuestro vocalista y líder de larga trayectoria de Opie Gone Bad , un apreciado grupo de rock de Colorado que ha encabezado el cartel del Anfiteatro Red Rocks nueve veces. También es un amigo del instituto con quien he compuesto música anteriormente, y explica cómo se vio envuelto en este experimento.
Sábado, 12:30 p. m.
Matt Wrobel, un guitarrista y músico de estudio versátil y creativo (y compañero mío en la composición desde hace mucho tiempo), que nos visita desde San Francisco, rasguea repetidamente una progresión de acordes que constituye la esencia de «American Muse». Jake tararea, canta y busca momentos para suavizar o intensificar la melodía.
Todos estamos escuchando, absorbiendo, asimilando información. Estamos creando una mente colectiva. Lleva tiempo. Pero también estamos esperando a que Jeremy conecte todos los instrumentos, con los cables entrecruzados por el suelo como si fueran fideos. Hacer música con humanos puede ser monótono.
Experimentando con ideas, Matt improvisa con la guitarra y Jeremy con el bajo cuando noto que hay química entre ellos. Respeto. Es como ver a dos jugadores profesionales de béisbol jugando a la pelota, aumentando la velocidad porque el otro aguanta bien.
Durante un descanso, el baterista, Tarell Martin, me comenta que este experimento le interesa porque en la mayoría de las sesiones de estudio se les dice a los músicos con precisión qué hacer y qué tocar.
“Es mucho más fácil”, dice sobre ese proceso, “pero puede ser irritante”. Le gusta la idea de poder contribuir. “Esa es la parte que realmente me encanta. Cuando toco algo y alguien dice: ‘¡Eso es! ¡Eso es!’”
Sábado, 15:00
Tocamos y cantamos mientras las ideas se acumulan, algunas rechazadas, muchas adoptadas. Jake sugiere entrar más rápido en el estribillo. Matt cree que el puente debería ir a medio tiempo. Jeremy señala que la canción necesita momentos especiales que él llama «trucos, no acrobacias», lo que significa que necesitamos una puntuación musical memorable.
Entonces llega un momento de tensión. Jake sugiere un cambio de tonalidad: una modulación al final de la canción. Veo que Jeremy y Matt no están de acuerdo, y yo tampoco. Pero Jake se ha atrevido a expresar su opinión. «Me gusta cómo está ahora», dice Jeremy diplomáticamente. Matt comenta que cree que vale la pena tocar la canción una vez tal como la hemos compuesto, luego escuchar una grabación preliminar y partir de ahí.
—Olvídalo —dice Jake, imperturbable—. Hacemos nuestro primer boceto.
Sábado, 16:20
Todo cambia cuando Jeremy saca un órgano Hammond XK-3. Empieza a tocar un riff de rock sobre nuestra base instrumental. El sonido explota. Con esta incorporación, la canción alcanza un nivel exponencial.
En mis notas escribo: ESTE ES EL MOMENTO.
“No sabes lo que no puedes oír”, dice Jeremy, restándole importancia a esta idea inspirada y a su talento musical.
Durante las dos horas siguientes, pulimos los detalles y percibo dos fuerzas opuestas: nos hemos unido en torno a un sonido, mientras que cada músico muestra signos de estar absorto en su propia experiencia. Matt toca su solo de guitarra con los ojos entrecerrados, moviendo la cabeza al ritmo de la música, con la rodilla marcando el compás. Jake, al grabar su voz, canta como en trance. Terrell, también con los ojos cerrados, ha empezado a añadir sus propios adornos.
Hacemos una pausa por hoy, cansados y con muchas ganas de escuchar la mezcla de Jeremy.
Día 2
Domingo, 12:59 p. m.
Empezamos tarde, con una salvedad: Jake ha estado pensando en cómo estructurar la canción «Bury Me». Nos lo cuenta con entusiasmo cuando llegamos a casa de Jeremy.
Es un momento que indica que nos hemos conocido lo suficientemente bien como para ser más vulnerables e involucrarnos en el proceso grupal. Estos momentos son puntos de partida para una banda incipiente. Decidimos llamarnos Last Seen Leaving. (Nota al margen: Terrell, nuestro baterista del primer día, tuvo que ir al aeropuerto para Nashville, así que terminamos contando con otro baterista creativo, Brian McRae ; ¡los bateristas humanos no son intercambiables!).
Durante el resto de ese día, del que no me extenderé, creamos «Bury Me» gracias a las numerosas aportaciones espontáneas de todos y a la poca fricción que se generó.
Hubo un momento en que soporté la peor parte de la experiencia creativa humana: Jake sugirió que necesitábamos un verso más —para capturar el deseo de un personaje de ser liberado tras la muerte— y me mandó con lápiz y papel para escribirlo. Durante la siguiente media hora, me presenté al grupo con nuevas ideas, soportando reacciones como «no del todo», miradas esquivas o «quizás», hasta que di con algo que gustó. En pocos minutos, repasé las emociones principales: miedo, esperanza, decepción, vulnerabilidad, vergüenza y validación. El verso:
Cinco horas después, terminamos, nos abrazamos y prometimos repetirlo. Al anochecer, dejé a Matt en el aeropuerto para su vuelo de regreso a San Francisco. Me agradeció por haberlo incluido y me contó lo bien que lo había pasado. Llevamos años haciendo música juntos, y me sorprendió y conmovió la intensidad de su emoción.
Llegados a este punto, creo poder responder a la pregunta de si esto es mejor o peor que la IA: ¿A quién le importa? Hemos creado canciones competentes. ¿Son éxitos, merecen ser escuchadas o siquiera se distinguen de las producidas por la máquina? ¿Quién sabe? Pero cuando las escuchemos, recordaremos un fin de semana bien aprovechado, haciendo música con otras personas.
Luego llegó la máquina.
Corte a: Cinco semanas después.
Día 3
Miércoles, 14:18
Para la parte de IA de este experimento, me reúno esta vez no en un estudio de grabación de última generación, sino en la sala de conferencias 04-E5-249 de la sede del New York Times en Manhattan con dos compañeras. Una de ellas es Juliana Castro Varón, nuestra editora sénior de diseño para iniciativas de IA. Ella crea proyectos de IA. En cuanto a su talento musical, afirma no tener ninguno.
“No sé tocar ningún instrumento”, dice.
No hay de qué preocuparse. Nuestro otro compañero de banda es el portátil de Juli, que es como tener todos los instrumentos y voces del mundo. En internet, Juliana busca a Gemini y Suno. Le pide a Suno que escriba una canción con la misma temática que «American Muse». «Hazme una canción sobre la emoción de ser creativo y cómo esa emoción a veces desaparece y no sabes adónde va», escribe. Añade algunas condiciones, como «no seas cursi».
Miércoles, 14:19
¡La canción ha terminado!
Tiene guitarra acústica y la voz inquietante de una mujer que canta: “Hazme una canción sobre la emoción de ser creativo…” y es entonces cuando nos damos cuenta de que Juliana escribió accidentalmente las instrucciones de su canción en el programa donde le pedía la letra. ¡Ha convertido sus instrucciones en una canción! ¡Hemos perdido casi un minuto!
De vuelta al trabajo.
Miércoles, 14:58
Para entonces, ya nos habíamos recompuesto y aclarado nuestras instrucciones. Juli pega la letra que escribí para “American Muse” y pide “folk, blues”.
15 segundos después
La computadora reproduce una melodía interpretada por un cantante de country con una voz envidiable, y unas armonías que requerirían un coro. La canción suena claramente country, algo que Juli no había pedido. Pero si sonaba en la máquina de discos al cerrar el bar, alguien podría pedir escucharla de nuevo. Podría. Dependería de la cantidad de cervezas consumidas.
Modificamos nuestras indicaciones. Es mucho más fácil que los miembros de la banda le digan a un letrista: «Me encanta, pero no lo entiendo del todo». Este proceso es clínico y espontáneo. Finalmente, Juli tuvo que decirle a la IA que dejara de componer canciones country, que parecía ser su género predilecto.
En los siguientes 40 minutos, creamos al menos 30 canciones. Suno tarda apenas unos segundos en generar temas de géneros tan básicos como el pop-rock y tan específicos como la fusión de música clásica experimental con indie pop japonés, trap latino y disco italiano. La mayoría no inspiran, pero algunas sorprenden. El ordenador tiene un repertorio infinito: country, rock y una asombrosa capacidad para imitar el sonido de Olivia Rodrigo. Independientemente del género, las canciones se basan en una fórmula particular: creadas en un instante, de cuatro minutos de duración, pero solo diez segundos para escucharlas y descartarlas como «simplemente correctas».
Pero.
¿Están bien, o algo más o menos? Les pregunto, ya que, después de todo, se trata de un proyecto grupal. Ahora que conocen el contexto, participen nuevamente en nuestro debate creativo. ¿El hecho de conocer el proceso cambia su percepción —cuál es la IA y cuál es la voz humana— y cuál prefieren ahora?
Estimados lectores, por favor, háganoslo saber.
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